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 Edward Hopper 1882-1967: Transformation des Realen
Rolf Günther Renner
Taschenbuch, Dezember 1999 Verkaufsrang: 90104 Gewöhnlich versandfertig in 24 Stunden
Lesermeinungen (Wiedergabe von Amazon.de, s.u.):
Durchschnittliche Gesamt-Bewertung: 5.0 von 5.00 Punkten (Insgesamt 3 Bewertungen)
Bilderbuch Amerika 5 von 5 Punkten
Wie kein anderer Künstler hat Edward Hopper (1882 - 1967) unsere Vorstellung von Amerika geprägt. Vereinzelte Menschen in Restaurants oder Hotelzimmern, beiläufige Blicke auf nächtlichen Szenen in erleuchteten Fenstern, menschenleere städtische Straßenzüge oder die Melancholie ländlicher Gegenden sind längst von der populären Kultur aufgesogen worden. Er reflektiert in vielen Werken den "modernen Menschen" in seiner Sicht von menschlichen Beziehungen oder besser gesagt menschlicher Beziehungslosigkeit. Hoppers moderner Realismus transformiert seine subjektive Erfahrung amerikanischer Kleinstädte und Vororte der Metropolen in universale Einsichten. Seine Bilder vermitteln keinen suggestiven oder symbolischen Gehalt. Sie lassen den Betrachter den Pulsschlag ihrer Entstehungszeit fühlen und sind dennoch zeitlos. Beschneidungen, betonte Diagonale und ungewöhnliche Blickwinkel sind wichtige Elemente von Hoppers kompositionellen Bildaufbau. Hoppers Werk gilt als wichtiger Beitrag der Vereinigten Staaten zur Moderne, denn sie ist erster Beweis für die erfolgreiche Bestrebung, sich durch die Ausbildung einer eigenen künstlerischen Identität bewusst von der europäischen Kunst abzugrenzen.
Seine Bilder berühren auch die Bereiche der Abstraktion, der Fotografie und des Films. Zum Thema Film trägt vor allem das "Early Sunday Morning" einen sehr interessanten Beitrag, da der kompositionelle Bildaufbau ohne zentralen Eye - Catcher den Betrachter dazu veranlasst, das Bild mit den Augen von links nach rechts abzutasten, um dann am rechten Rand durch ein dunkles Gebäude im Hintergrund abgebremst zu werden. Die Augen des Betrachters werden dadurch selbst zur Kamera, die eine Sequenz aufzeichnet. Hoppers Einfluss auf andere Künstler, wie z.B. Andrew Wyeth (Christinas Welt) oder Gottfried Helnwein (schuf vermutlich die berühmteste Persiflage zu Nighthawks, indem er Prominente in das Nachtlokal setzte) ist ebenso wenig zu unterschätzen wie sein Einfluss auf Hollywood.
Besonders freute sich Hopper darüber, dass Alfred Hitchcock das Gemälde "House by the Railroad" als Vorlage für das Haus in dem Film "Psycho" (1960) adaptiert hatte. Hopper lebte vorwiegend in New York, verbrachte aber regelmäßig die Sommer an der Atlantikküste, anfangs in Maine, später auf Cap God in Massachusetts. Der Gegensatz vom Stadt- zum Landleben wurde somit auch zu einer bestimmenden Konstante in seinem Werk. Dabei sind es vor allem die typische Architektur Neuenglands und seine Leuchttürme. Bis zu seinem Tod im Jahr 1967 wurde sein Werk von einer Beständigkeit der Themen getragen, die aber stets inhaltlich angereichert und formal verfeinert wurden. Sein letztes Bild "Two Comedians" (1966) wirkt wie eine geahnte Prophezeiung seines bevorstehenden Todes. Zwei Komödianten nehmen dabei auf der Bühne Abschied von einem unsichtbaren Publikum nach einer Aufführung. Kunsthistoriker interpretierten die beiden Schauspieler später als Edward und Josephine Hopper, die Abschied von der Bühne des Lebens und den Bewunderern ihrer Kunst nahmen. Edward Hopper starb am 15. Mai 1967 und seine Ehefrau folgte ihm nur ein Jahr später.
Das kleine Taschenbuch zählt zu einer ganzen Reihe schöner, gut verständlicher und besonders preisgünstiger Bücher zu berühmten Künstlern, die vor allem einen guten und übersichtlichen Einstieg in deren Schaffen liefern. Text und Bild stehen in einem ausgewogen Verhältnis zueinander. Die Fotos sind leider sehr klein und weniger exakt in ihrer Farb- und Wiedergabequalität. Diese Mankos werden allerdings durch einen recht günstigen Preis kompensiert. Alle wichtigen Gemälde Hoppers sind abgebildet und kurz beschrieben. Das Buch macht neugierig auf tiefergreifende Literatur. Empfehlenswert sind in diesem Zusammenhang vor allem Bücher der Kunsthistorikerin Gail Levin.
Ein Tipp: Gail Levin verfasste jüngst eine interessante Biografie zu Hoppers Leben und Arbeit mit dem Titel "Edward Hopper - Ein intimes Porträt." Sie stützt sich dabei auf die Tagebuchaufzeichnungen von Josephine Hopper, die auch das oft schwierige Miteinander des Künstlerpaars beschreibt. Der Leser erfährt darin auch Interessantes über Hoppers Arbeitsweise und die Entstehung seiner berühmtesten Bilder. - Christoph Erlemeier -
Ein sehr, sehr gutes Buch! 5 von 5 Punkten
Das Buch mit dem schlichten Titel „HOPPER" überzeugt in jedem Fall! Sowohl die Präzision über die Recherche von Hoppers Biographie, als auch die schlüssigen Interpretationen von Hoppers Bildern sollte die Leser gewinnen. Es wird alles viel kürzer und trotzdem besser geschildert als in den Büchern Gail Levins über Edward Hopper. Durch die vielen abgebildeten Gemälde kann man Rolf G. Renners Gedankengänge besser verfolgen und so wird „HOPPER" sogar für Kunstlaien zu einem empfehlenswerten Buch. Dieses Werk ist eine absolut wichtige Grundlage den amerikanischen Maler besser kennen zu lernen. Und nach
96 Seiten ist man fast schon traurig, dass Ende erreicht zu haben.
malerei zwischen den zeilen ... 5 von 5 Punkten
in der sehr guten und zudem preiswerten monographie über edward hopper von rolf günter renner wird analysierend bezug genommen auf die programmatische orientierung des malers EDGAR DEGAS, der für hopper eine gewisse vorbildwirkung hatte mit seiner idee "von der malerischen transformation des wirklichen durch einbildungskraft und gedächtnis." auch den kunsthistoriker WARD (american silences. the realism of james agee, walker evans and edward hopper) zieht renner heran, indem er als verstehenszugang die formulierung "metapher des schweigens" einführt. renner spricht von den "nicht abbildbaren zwischenräumen", die als eine art malerei zwischen den zeilen das wichtigste versteckt, wie sonst nur lyrik es vermag. sie durchstoße die oberfläche der gesellschaftlichen leitbilder und zeige hintergründig zusatz-ebenen der selbsterfahrung. zum vergleich werden neben vielen reproduktionen hopper'scher werke auch nahestehende amerikanische maler präsentiert, so andrew werth mit seinem berühmten gemälde von CHRISTINAS WELT (1948) - oder aus neuerer zeit ERIC FISCHL, "schlimmer junge" (1981). immer wieder suggestiv, magnetisch, unterschwellig überspülend aber sind die wesentlichsten arbeiten hoppers selbst: "sonne in einem cafe" (1958), "sommerabend" (1947), "sitzabteil" (1965), "morgen in south carolina" (eine erholsame strand-impression 1955) - oder sein berühmtestes, auf tausenden von kunstpostkarten verbreitetes (und oftmals persifliertes) bild: "nachtschwärmer" (NIGHTHAWKS), 1942. es macht spaß, sich in dieses buch zu vertiefen - wegen der scharfsichtigen analysen - und wegen der angenehm großen reproduktionen... |
 Hundertwasser Pocket Art 2009
Gebundene Ausgabe, Juli 2008 Verkaufsrang: 150685 Gewöhnlich versandfertig in 24 Stunden
Dieses Buch beschreibt die Programmiersprache C anhand vieler anschaulicher Beispiele, die ausführlich mit Programmcode vorgestellt werden. Von Anfang an geht dieses Buch dabei intensiv auf C99, den neuen Standard für C, ein.
Die Autoren begnügen sich jedoch nicht allein mit der Vorstellung der einzelnen Sprachelemente, sondern vermitteln auch Einblicke in wichtige Grundlagen der Informatik. Darüber hinaus werden zu den einzelnen C-Konstruktionen effektive Programmiertechniken aus der Praxis und typische Anwendungsgebiete der Programmiersprache C im Detail vorgestellt. Zu den wichtigsten Themen finden sich in dem Buch zudem vielfältige Tipps sowie Hinweise zur Vermeidung von Fallgruben , die in C leider nicht allzu selten sind. Diese Grundkenntnisse bilden das Fundament, das für eine erfolgreiche Programmierung in C unverzichtbar ist. Ein eigenes Kapitel ist der Grafikbibliothek LCGI (Linux Graphics Interface) gewidmet, die eigens im Rahmen dieses Buches entwickelt wurde. Mit LCGI ist nunmehr eine einfache Grafikprogrammierung in C unter Linux möglich.
Mit diesem Buch wird: - der C-Neuling systematisch vom C-Basiswissen bis hin zu den fortgeschrittenen Techniken der Programmierung geführt und - dem bereits erfahrenen C-Programmierer aufgrund der Vielzahl von Tipps, fundamentalen Algorythmen und nützlichen Programmiertechniken eine Vertiefung bzw. Ergänzung seines C-Wissens ermöglicht.
Dieses Buch beschreibt die Programmiersprache C anhand vieler anschaulicher Beispiele, die ausführlich mit Programmcode vorgestellt werden. Von Anfang an geht dieses Buch dabei intensiv auf C99, den neuen Standard für C, ein.
Die Autoren begnügen sich jedoch nicht allein mit der Vorstellung der einzelnen Sprachelemente, sondern vermitteln auch Einblicke in wichtige Grundlagen der Informatik. Darüber hinaus werden zu den einzelnen C-Konstruktionen effektive Programmiertechniken aus der Praxis und typische Anwendungsgebiete der Programmiersprache C im Detail vorgestellt. Zu den wichtigsten Themen finden sich in dem Buch zudem vielfältige Tipps sowie Hinweise zur Vermeidung von "Fallgruben", die in C leider nicht allzu selten sind. Diese Grundkenntnisse bilden das Fundament, das für eine erfolgreiche Programmierung in C unverzichtbar ist. Ein eigenes Kapitel ist der Grafikbibliothek LCGI (Linux C Graphics Interface) gewidmet, die eigens im Rahmen dieses Buches entwickelt wurde. Mit LCGI ist nunmehr eine einfache Grafikprogrammierung in C unter Linux möglich.
Mit diesem Buch wird:
* der C-Neuling systematisch vom C-Basiswissen bis hin zu den fortgeschrittenen Techniken der Programmierung geführt und
* dem bereits fortgeschrittenen C-Programmierer- aufgrund der Vielzahl von Tipps, fundamentalen Algorithmen und nützlichen Programmiertechniken - eine Vertiefung bzw. Ergänzung seines C-Wissens ermöglicht.
Lesermeinungen (Wiedergabe von Amazon.de, s.u.):
Durchschnittliche Gesamt-Bewertung: 5.0 von 5.00 Punkten (Insgesamt 14 Bewertungen)
C von A bis Z 5 von 5 Punkten
Dieses Buch ist für jeden Programmiertyp das richtige Werk. Egal ob Anfänger oder Profi, hier kann jeder nachschlagen, lernen und üben bis die Tastatur bricht. Es gibt tausende Beispielprogramme und Übungen, Bilder und Tabellen.
Zwar ein bisschen Linux/Unix-lastig, aber was will man von einem ehemaligen SuSe-Mitarbeiter auch anderes erwarten? ;) Das heißt aber nicht, dass Windows-User nicht genauso gut mit diesem Buch arbeiten können. C ist ja (fast immer) universell.
Beim ersten Anblick ist man zwar in anbetracht des Umfangs dieses Buchs erstmal etwas eingeschüchtert (gerade als Anfänger), aber wer C lernen will oder muss sollte nicht den Fehler begehen und sich erstmal ein kleines, günstigeres Buch kaufen. Früher oder später wird man sich einen solchen Wälzer zulegen müssen und dann gibt man das Geld sowieso aus.
Fazit: Mehr braucht man nicht um C zu lernen. Einziges Manko ist der Index, bei dem eine Unterteilung in Programme-Index und Stoff-Stichwortverzeichnis besser gewesen wäre.
 Weitere Lesermeinungen |
 Grundfragen der Ästhetik: Bild - Musik - Sprache - Körper (Uni-Taschenbücher S): Bild - Musik - Sprache - Körper
Ursula Brandstätter
Broschiert, 1. März 2008 Verkaufsrang: 117299 Gewöhnlich versandfertig in 24 Stunden
Was ist Ästhetik? Aus kunstwissenschaftlicher Perspektive führt dieses Studienbuch in die Grundfragen der Ästhetik ein. Verständlich geschrieben, gibt es einen Überblick über Themen und Fragestellungen, mit denen sich die Ästhetik als wissenschaftliche Disziplin befasst, führt indie aktuelle ästhetische Diskussion ein und regt an, über das Verhältnis der Künste zueinander bzw. das Verhältnis der Kunst zur Wissenschaft nachzudenken.
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 Porzellan bemalen mit Uwe Geißler, Das neue Vorlagenbuch
Uwe Geißler
Gebundene Ausgabe, 1999 Verkaufsrang: 34588
Jetzt präsentiert Uwe Geißler im vorliegenden Buch die schönsten neuen Vorlagen aus allen Genres der klassischen Porzellanmalerei. Neben Fotos sind Motivvorlagen in Originalgröße in Aquarelltechnik ausgeführt. So ist es ganz leicht, das Motiv direkt aus dem Buch zu übertragen.
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 Das Kunstwerk im Zeitalter seiner technischen Reproduzierbarkeit: Mit weiteren Materialien
Walter Benjamin
Broschiert, April 2007 Verkaufsrang: 106010 Gewöhnlich versandfertig in 24 Stunden
Die neue Reihe Suhrkamp Studienbibliothek ist ideal als erste Orientierung für Theorieeinsteiger und schafft eine fundierte Grundlage für Lektürekurse an Schulen und Universitäten. In informativer und leicht lesbarer Form erschließen die von renommierten Wissenschaftlerinnen und Wissenschaftlern stammenden Kommentare den historischen und theoretischen Hintergrund der Werke. Alle nötigen Informationen sind in kompakter und übersichtlicher Weise gebündelt.
Lesermeinungen (Wiedergabe von Amazon.de, s.u.):
Durchschnittliche Gesamt-Bewertung: 5.0 von 5.00 Punkten (Insgesamt 2 Bewertungen)
Die Kunst und ihre Wahrnehmung im Zeitalter der Massenmedien 5 von 5 Punkten
Fotografie und Film verändern die Art und Weise, wie wir unsere Umwelt wahrnehmen. Davon handelt Walter Benjamins 1936 erschienener Aufsatz "Das Kunstwerk im Zeitalter seiner technischen Reproduzierbarkeit". Erst in den 60er Jahren des 20. Jahrhunderts wurde die Bedeutung dieser Schrift entdeckt. Die Reproduktionstechniken, die damals als modern galten, sind heute zwar längst überholt, doch Benjamins Diagnose unserer Wahrnehmung unter dem Einfluss der Massenmedien ist aktueller denn je. Ungeachtet des rasenden technischen Fortschritts unserer Zeit spricht der Text Fragen an, um die sich bis heute niemand drücken kann, der sich für Kunst und Medien interessiert. Zugegeben: Den reinen Lesegenuss bieten die knapp 50 Seiten nicht. Wer aber die Anstrengung nicht scheut und sich durch den Text hindurcharbeitet, wird mit tiefen Einsichten in das Wesen der Moderne belohnt. Er versteht, wodurch sich eine antike Götterstatue oder ein Rembrandt-Gemälde von einem Man-Ray-Foto unterscheiden und welche Bedeutung Charlie Chaplin oder Mickey Mouse für die Filmkunst haben.
Suhrkamps Studienbibliothek: Aura vs. Convenience 5 von 5 Punkten
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"Die gesamte Wirklichkeit ist die Welt. Das Bild ist so mit der Wirklichkeit verknüpft; es reicht bis zu ihr. Es ist wie ein Maßstab an die Wirklichkeit angelehnt". Soweit Ludwig Wittgenstein im Tractatus zum Verhältnis Bild und Realität. Und weiter: "In Bild und Abgebildeten muss etwas identisch sein."
Grundsätzlich, sagt Benjamin, ist das Kunstwerk immer reproduzierbar gewesen. Alles vom Menschen gemachte konnte und kann von Menschen nachgemacht werden. Die technische Reproduzierbarkeit jedoch ist etwas Neues. Über Guss und Prägung, vom Holzschnitt der Graphik zum Druck der Schrift, vom Kopierer zum Scanner zum Brenner. Paul Valery hat bereits in den frühen Jahren des 20. Jahrhunderts gemutmaßt, dass wir mit Bildern und Tonfolgen versehen werden wie mit Wasser, Gas und Strom. Auf ein Zeichen werden sie sich einstellen, kommen und uns wieder verlassen. Welch ein Weitblick, weit in das Jahr des Internets, der Zeichen von "@ und www".
Und doch fehlt etwas, auch wenn die Reproduktion höchstvollendend ist: "das Hier und Jetzt des Kunstwerks - sein einmaliges Dasein an dem Ort, wo es sich befindet." Diese Aura, diese wirkliche Echtheit ist nicht zu reproduzieren, das Einmalige entfällt und damit der Wert, die Wertschätzung. Es ist ein Gefühl, nicht einer Zuwendung mit Bedacht, sondern ein Wissen um Wiederholung und Wiederbeschaffung. Und diese Haltung gegenüber dem Einmaligen, der Aura schwindet zu Gunsten einer Massensicht mit Reproduzierbarkeit. Jedoch: Die Echtheit einer Sache ist der Inbegriff des Tradierten, sie berichtet von der Dauer und enthält eine "geschichtliche Zeugenschaft." Das Zeitalter der technischen Reproduzierbarkeit lässt eben genau diese Aura verkümmern. Eine Gesellschaft im 21. Jahrhundert verschließt sich der Erinnerung und noch neuen Werten, ihr Ziel scheint Convenience zu sein.
Der Verfall dieser Aura beruht auf zwei Umständen, die beide mit dem Phänomen der Massen im heutigen Leben zusammenhängen: einmal: das Anliegen, die Dinge räumlich und menschlich (Einebnung der gesellschaftlichen, bildungsrelevanten Unterschiede) näherzubringen und zweites gelingt dieses durch die Überwindung des Einmaligen durch die Aufnahme von deren Reproduktion. Das Bedürfnis, die Dinge im Bild, im Abbild habhaft zu werden, ist ungebrochen. Mit der Konsequenz, das "Dauer und Einmaligkeit ersetzt werden durch Flüchtigkeit und Wiederholung." Die Folge ist, dass der Mensch sich nicht mehr zu einem Kunstwerk bewegt, sondern dieses zu ihm als Abbild. Der Mensch lässt sich vereinsamen, allerdings organisiert, wie Hanna Arendt es mal formulierte. Sind Bilder aus der technischen Reproduzierbarkeit allzeit und für jedermann vorhanden, so kann man nach Hobbes folgern, dass dieser Fortschritt Feindschaft gebären muss, da die Unterscheidbarkeit aufgehoben wird in der Gleichheit der Fähigkeiten und der Gleichheit der Hoffnungen. (vgl. Sloterdijk, 2000: Die Verachtung der Massen).
Feindschaft wird in der letzten Stufe Krieg bedeuten können, der dann jedoch in der Ästhetik der Schlacht vorgedacht wurde in der immer besseren technischen Reproduzierbarkeit von Abbildern der Kriegsgeschichten am PC. Der Mensch hat durch den Verlust des Einmaligen die Aura desselben nicht kennengelernt, er identifiziert sich mit der Wiederholung und mit den Scheinwelten, die eo ipso ohne Wert sind. Dieser fehlende Wert definiert den Menschen, der dann seinen Spiegelneuronen das Feld überlässt, auf der Suche nach eigenen erhofften Werten.
Benjamins kurzes Essay wurde im Jahre 1936 veröffentlicht. Es ist ein Meilenstein in der Kunstgeschichte und gehört mit zum Inhalt seiner Aufsätze: Illuminationen. Es verbindet Ästhetik der Kunst mit der Philosophie des Lebens. Andre Breton sagte: "Das Kunstwerk hat Wert nur insofern als es von Reflexen der Zukunft durchzittert wird." Dieses ist deutlich aus dem Essay Benjamins zu hören. Zu den zitternden Reflexen gehört auch das bewegte Bild als Film, in der Kombination Bild und Bildung: "Ich kann schon nicht mehr denken, was ich denken will. Die beweglichen Bilder haben sich an den Platz meiner Gedanken gesetzt", konstatierte Georges Duhamel bereits 1930. (s. a.: Menasse, 2006: Die Zerstörung der Welt als Wille und Vorstellung)
Denken Sie an den 11.September. Sie werden spüren, was gemeint ist. Das Bild: ein Maßstab an die Wirklichkeit angelehnt.
Ein, wenn man sich öffnet, nachdenklich machendes, nicht nur die Kunst betreffendes Werk des W.B.
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 Studio Olafur Eliasson: An Encyclopaedia (Extra Large Series)
Philip Ursprung
Gebundene Ausgabe, Mai 2008 Verkaufsrang: 123466 Gewöhnlich versandfertig in 24 Stunden
Das "Studio Eliasson" ist ein experimentelles Labor in Berlin und Kopenhagen. Es arbeitet interdisziplinär und schafft einen Dialog zwischen Kunst und ihrer Umwelt. Es studiert Raum und Zeit, untersucht, wie Form Inhalt transportiert, und will Bewusstsein für diese Verbindungen schaffen.
Dieses Buch soll den Zugang zu den Projekten schaffen, die vom dänisch-isländischen Künstler Olafur Eliasson geleitet werden. Zugleich hilft es dem Leser, Eliassons Arbeiten in ihren Details zu verstehen - es ist alphabetisch aufgebaut, jeder Buchstabe steht für ein Konzept, das in kurzen, rund 10 Zeilen langen Texten erläutert wird.
Der Band präsentiert die meisten von Eliassons Installationen, Fotos, Skulpturen und Architekturprojekten und informiert über die Forschungsprozesse im Studio.
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 Skulpturen aus Stein: Kunst, Techniken und Projekte
Jacinto Chicharro Santamera, Josepmaria Teixido i Cami
Gebundene Ausgabe, 1. März 2002 Verkaufsrang: 113632 Gewöhnlich versandfertig in 24 Stunden
Ist der Dialog mit alten Skulpturen fruchtbar? Sind oder waren die Kulturen wirklich so vielfältig und unterschiedlich, wie es die künstlerischen Formen in Stein vermuten lassen? Warum werden einige Skulpturen als höhere Kunst eingestuft und andere nicht? Welchen Prozess durchläuft eine Idee, bevor sie schließlich einen steinernen Körper annimmt? Arbeitet der Bildhauer allein?
Geschichte, Ästhetik und Technik vereinigen sich in diesem Buch. Nach einem historischen Teil, der einen Querschnitt durch sämtliche Meilensteine der Steinbildhauerei bietet, werden die verschiedenen Gesteinsarten und Werkzeuge erklärt und die Werkstatt des Steinbildhauers vorgestellt. Techniken zur Erstellung eines Entwurfs, das Anfertigen von Schablonen, das direkte Meißeln, der Einsatz der Punktiermaschine oder die Arten der Veredelung werden anhand vieler Bilder dargelegt, damit im Folgenden die vorgestellten Projekte angepackt und eigene Skulpturen geschaffen werden können.
Lesermeinungen (Wiedergabe von Amazon.de, s.u.):
Durchschnittliche Gesamt-Bewertung: 5.0 von 5.00 Punkten (Insgesamt 2 Bewertungen)
Die Liebe zum Stein 5 von 5 Punkten
Schlägt man dieses Buch auf, so ist man bereits in die Welt des Steins eingetaucht. Der Stein als Zeugnis der Geschichte, Geschenk aus der Tiefe und wundervolles Material. Wie aus dem Stein eine Skulptur wird, der Künstler schafft und wirkt, das kann man auf angenehme Weise in diesem Buch erfahren. Man nimmt teil, man ist mittendrin.
Wer sich für die Bildhauerei und die Eigenart des Materials Stein interresiert, wer einen Einstieg in die Materie und das Schaffen wünscht, der wird begeistert sein. Klar und übersichtlich werden die wichtgsten Bereiche schrittweise erklärt und beschrieben. Im zweiten Teil kann man den Autoren bei ihrem künstlerischen Schaffen "über die Schulter" schauen. Man erlebt mit wie ein Entwurf und dann ein Modell entsteht bzw. die Arbeit zur Monumentalskulptur wird.
Ein gelungenes Buch!
Bildhauerei 5 von 5 Punkten
Ein sehr schön gestaltetes Buch mit vielen Informationen und Bildern, besonders interressant auch für Anfänger. Es werden kurze Abrisse gegeben über die Geschichte der Bildhauerei, der Entstehung von Gesteinen, dem Abbau,den verschiedenen Gesteinsarten, Techniken der Bearbeitung, benötigte Materialien, sowie unterschiedliche Herangehensweisen bei der Planung bis hin zur Vollendung einer Skulptur.
Ein insgesamt schön anzuschauender und zu lesender Bildband, der die ganze Komplexität des Themas aufzeigt und anregt zum Selbergestalten. |
 Malmaterial und seine Verwendung im Bilde
Max Doerner
Gebundene Ausgabe, April 2007 Verkaufsrang: 41575 Gewöhnlich versandfertig in 4 bis 6 Tagen.
Ein Standardwerk feiert Geburtstag
Das Standardwerk zu Malmaterialien und Maltechniken erschien erstmals vor 80 Jahren und hat bis heute nichts von seiner Aktualität eingebüßt. Seit nunmehr acht Jahrzehnten greifen Menschen, die Fragen zu Farben, Pigmenten, Malmitteln und Bindemitteln, Malgeräten und Malgründen haben, auf dieses wichtige Standardwerk zurück.
Die Palette der Themen erstreckt sich von den antiken Maltechniken, der Temperamalerei des Mittelalters und der frühen Ölmalerei bis hin zu den jüngsten Malfarben, den Acrylfarben und den Alkydharzmalmitteln. Ein erklärender Anhang mit weiterführenden Literaturangaben, viele Farbtafeln und mehr als 200 Abbildungen veranschaulichen die Ausführungen über die Verwendung und Herstellung von Malfarben, das Grundieren von Leinwänden, die Fabrikation von Pinseln, die manuelle und industrielle Erzeugung von Malpapieren sowie generell die Theorie und Praxis verschiedener Malverfahren.
Lesermeinungen (Wiedergabe von Amazon.de, s.u.):
Durchschnittliche Gesamt-Bewertung: 4.5 von 5.00 Punkten (Insgesamt 4 Bewertungen)
Altmeisterliche Ölmalerei in der heutigen Zeit? 5 von 5 Punkten
Ja, ja und nochmals ja! Die Technik ist's die mich fasziniert.
Ich verwende persönlich den 'Doerner' aus 1976, aber eines haben alle 'Doerner' gemein:
es wird grundlegendes Wissen, unter Anderem, über die Farben und Hilfsmittel und deren Zusammensetzung vermittelt und das ist unerlässlich, auch wenn man mit der 'Altmeisterlichen Mischtechnik' in der Ölmalerei vielleicht selbst nicht so viel am Hut hat.
Ein Standardwerk - dem gibt's nichts hinzuzufügen.
Weitere Lesermeinungen |
 FilzSpiel - the felted play
Annette Quentin-Stoll
Gebundene Ausgabe, April 2008 Verkaufsrang: 116230 Gewöhnlich versandfertig in 24 Stunden
Mit dem Galeriebuch ¯FilzSpiel - a play of felt® stellt die Textildesignerin Annette Quentin-Stoll ihre Filzobjekte vor. Ausgangspunkt für die Arbeiten ist der spielerische Umgang mit Farbe und Form, mit Material und Technik. So haben viele Objekte neben der Funktion als Accessoire auch eine Spielmöglichkeit. Die gleichen Elemente tauchen in immer neuen Zusammenhängen auf und bekommen dadurch wieder andere Bedeutungen. Aus der Faszination, dreidimensionale textile Objekte ohne Nähte herstellen zu können, entstanden eigene filztechnische Varianten. Deren Entwicklung und den künstlerischen Weg kann der Leser anhand kurzer Texte und vieler Abbildungen nachvollziehen.
Lesermeinungen (Wiedergabe von Amazon.de, s.u.):
Durchschnittliche Gesamt-Bewertung: 4.0 von 5.00 Punkten (Insgesamt 4 Bewertungen)
Enlich mal wieder was witzig, spritzig Neues 5 von 5 Punkten
Ich bin total begeistert von diesem Buch. Steckt voller toller Ideen und absolut schönen Fotos. Eines der schönsten Filzbücher die ich habe (und das sind ca. 40 Stück). Kann ich wirklich Jedem empfehlen, allerdings ist das Buch für Filzanfänger eher zum betrachten und genießen geeigent, Fortgeschrittene finden darin tolle Ideen.
Weitere Lesermeinungen |
 Street Art in Berlin
Kai Jakob
Broschiert, Februar 2008 Verkaufsrang: 162931 Gewöhnlich versandfertig in 24 Stunden
Lesermeinungen (Wiedergabe von Amazon.de, s.u.):
Durchschnittliche Gesamt-Bewertung: 5.0 von 5.00 Punkten (Insgesamt 4 Bewertungen)
Sehr schöne Darstellung der Berliner "Streetart-Szene" 5 von 5 Punkten
Die Fotos sprechen für sich, verschiedenste Facetten der Straßenkunst in Berlin, sehr ansprechend und interessant in Szene gesetzt und beschrieben vom Autor / Fotografen.
Sicherlich auch für all diejenigen ein empfehlenswertes Buch-, welche vielleicht immer noch denken mögen, es gäbe auf den Straßen nur verschandelnde Schmierfinken, -die aber dafür offen sind, sich eines Besseren belehren zu lassen. Das Buch beschreibt anhand von unzähligen Fotos und einigen Texten sehr schön die einzelnen Stile der Straßenkünstler und lässt dabei auch die Hintergründe der bunten Szene nicht zu kurz kommen.
... und wieder ein neues: 4 von 5 Punkten
Es sind im letzten Jahr ja einige Bücher
zum Thema Street Art erschienen. Ich würde
also nicht sagen, dass eine Publikation
wie diese überfällig war.
Außerdem wiederholen sich mittlerweile die
Interviews und Fotos in diesen Büchern.
Dennoch ist auch dieses Buch eine weitere
Bereicherung und schön zu durchblättern.
Wenn ich mir dieses Buch-Layout so betrachte,
erinnert es mich stark an das Buch:
»Street Art. Die Stadt als Spielplatz«,
dass bereits 2006 erschien.
Hat gefehlt 5 von 5 Punkten
Ein Buch wie dieses war lange überfällig. Sehr vielseitige und unzählige Bildbeispiele. Endlich erfährt man etwas über die Künstler hinter den Werken, die einem so oft in der Stadt begegnen. Auch für Nicht- Berliner zu empfehlen !
Aktuell, umfangreich, toll. 5 von 5 Punkten
Habe bisher kein aktuelleres Buch über Berlins Street Art gesehen.
Auf 176 Seiten wird dem Betrachter mit vielen Texten und ca. 1200 Bildern das Phänomen Street Art näher gebracht und in Bezug zu Berlin gesetzt. Alle Bilder wurden in mehreren Jahren in Berlin aufgenommen, zeigen aber auch Werke die gerade mal einen Monat jung sein dürften.
Das Buch teilt sich auf in folgende Bereiche: Definition Street Art, Herkunft und Entwicklung der Street Art ,Street Art in Berlin, Street Art in der Galerie UND Stencils, Pochoirs, Cut-Outs, Sticker, Murals, 3D UND mehrseitigen Vorstellungen lokaler Künstler, u.A. mit Alias, XooooX, Tower, LindasEx, 6@Artist, CUPK, Karl Toon, SP38 und El Bocho.
Ein kurzweiliges, sehr umfangreiches Buch über Street Art in Berlin, grafisch schön aufgemacht und in Art und Inhalt so noch nicht da gewesen und somit einzigartig. Tolles Preis-Leistungsverhältnis !
Mir gefällts ! |
 Mark Rothko. Retrospektive
Gebundene Ausgabe, Februar 2008 Verkaufsrang: 53423 Gewöhnlich versandfertig in 24 Stunden
Mark Rothkos meditative Abstraktionen sind längst Synonyme des Abstrakten Expressionismus. Außerhalb der USA in öffentlichen Sammlungen nur spärlich vertreten, ist eine Retrospektive in Deutschland überfällig.
"Der 1903 in Russland als Marcus Rothkowitz geborene Künstler emigrierte bereits als Zehnjähriger mit seiner Familie in die USA. In den 1930er Jahren entstanden rein figurative Arbeiten, aus denen sich, vom Surrealismus inspiriert, die"multiforms"entwickelten. Diese markieren den Übergang zu seinen meditativen, oft sakral anmutenden Farbfeldmalereien. Mit den wolkig verschwommenen, großformatigen Ölgemälden fand der Künstler ab 1950 seinen Stil. Zentrales Anliegen seiner Werke ist die intensive Betrachter-Bild-Beziehung, die durch eine rein auf die Wirkung der Farbe ausgerichtete Malerei erreicht wird. 1969 entstanden die"Blackform"- und"Black on Grey"-Darstellungen. Ihre Konzentration auf grau und schwarz lassen die fortschreitende Depression des Künstlers erahnen, der im folgenden Jahr den Freitod wählte. Der Katalog zeigt einen Überblick seines gesamten Schaffens mit einer repräsentativen Auswahl seiner Werke auf Leinwand und Papier."
Lesermeinungen (Wiedergabe von Amazon.de, s.u.):
Durchschnittliche Gesamt-Bewertung: 3.5 von 5.00 Punkten (Insgesamt 2 Bewertungen)
Gut gemacht! 4 von 5 Punkten
Die Faszination für die Bilder von Mark Rothko sind ungebrochen. Der Begleit-Katalog der großen Retrospektive in der Hamburger Kunsthalle vermittelt ein kleinen Einblick in diese Faszination. Die redaktionelle Artikel sind eher schmückendes Beiwerk zu den Abbildungen. Für "Rothko-Neulinge" sind die Artikel informativ und flott geschrieben. Für alle anderen bringt der redaktionelle Teil nicht sehr viel Neues. Ein bisschen Schade, aber der hier vorliegende Spagat ist eigentlich ganz gut gelungen.
Der Katalog ersetzt aber freilich nicht den Besuch der Ausstellung und ist auch ein Glück nicht so konzipiert. Dafür muss man den "Machern" danken!
Durchaus lohnend sich den Katalog zu kaufen und sich an die Intensität der Bilder in der Ausstellung zu erinnern. Leider nicht mehr, aber das ist auch schon viel...
Katalog zur großen Mark Rothko Retrospektive 3 von 5 Punkten
Dieses Buch dient als Katalog zur großen Mark Rothko Retrospektive (Marcus Rothkowitz, 1903 - 1970), die vom 08.02. bis zum 27.04.2008 in der Münchener Kunsthalle, vom 16.05. bis 03.08.2008 in der Hamburger Kunsthalle und ab September in der Tate Modern in London zu sehen ist. Rothkos meditative Abstraktionen gelten heute als Ikonen des Abstrakten Expressionismus, obwohl Rothko sich zeitlebens gegen die Einordnung in diese künstlerische Schublade wehrte.
In diesem Buch werden die fast 100 ausgestellten Werke aus allen Schaffensperioden in mittelgroßen Formaten abgebildet. Dazu zählen abgesehen von den frühen figurativen Arbeiten, auch seine Multiforms", die glühenden und atmenden Farbfeldmalereien" und die Blackform" und Black on Grey" Darstellungen. Es werden auch einige seiner Vorentwürfe für das von Philipp Johnson gebaute Seagram Building abgebildet.
Rothko war bei einem Besuch des Seagram Restaurants, dem Bestimmungsort seiner Bilder, derart über die neureichen Gäste entsetzt, dass er den lukrativen Auftrag wieder zurückzog und den Bilderzyklus später der Tate Gallery in London schenkte. Leider zählten diese Bilder nicht zu den Ausstellungsobjekten in München. Diese werden dann vermutlich aber im September während der Retrospektive in London dem Publikum im Rothko Room der Tate Gallery vorgeführt werden.
Höhepunkt bilden sicher die Bilder mit den frei schwebenden Farbflächen und deren Weiterentwicklung zu einer klaren Ordnung von rechteckigen Farbflächen, die ihn einst berühmt machten. Typisch für die Handschrift Rothkos ist dabei die Verwendung großer und hochformatiger Leinwände. Auf diesen platzierte er jeweils zwei oder drei Rechtecke mit leicht verschwommenen Rändern über einen andersfarbigen Grund. Die Farben verleihen den Bildern eine meditative Wirkung, indem sie hell und warm leuchten, glühen oder düster erscheinen. Seine Bilder bestehen aus unterschiedlich vielen Lasurschichten, die sich teilweise gegenseitig durchdringen. Die Grundierung bleibt dabei im Hintergrund, so dass die rechteckigen Farbflächen wie dreidimensionale Objekte über die Leinwand schweben. Oft bearbeitete er die matt oder glänzend erscheinende Oberfläche zusätzlich mit Rillen oder Kratzspuren, puderte sie sogar. Manchmal entfernte er komplette Farbflächen, so dass deren Narben aber noch sichtbar durchschimmerten. Selbst die Farbmischungen waren oft Ergebnis eigener chemischer Experimente.
Er litt zeitlebens unter starken Depressionen, zeigte oft eigenwillige Verhaltensweisen. Von seinen Galleristen verlangte er stets seine Bilder nur unabhängig von anderen Künstlern auszustellen. Diese hielten sich natürlich nicht daran. Als Jude wollte er nicht, dass Bilder nach Deutschland auf eine Werkschau gehen sollten. Trotzdem waren einige seiner Bilder später auf der Documenta Kassel zu sehen. Auch das Ludwig Museum Köln erwarb in dieser Zeit eines seiner Bilder.
Zuletzt durfte er aufgrund gesundheitlicher Einschränkungen nicht mehr auf großformatigen Leinwänden arbeiten. Stattdessen nahm er große Papierbögen, die er später auf Leinwand aufklebte. Diese sind ähnlich wie seine Blackforms düster. Einige dieser Bilder finden sich auch in diesem Katalog wieder. Enttäuschend ist an dieser Werkschau die farbliche Wiedergabe der Werke. Kaum eine Abbildung erreicht trotz des hohen Preises nur annähernd die tatsächliche Farbintensität und - qualität der Originale. Verstorbene können sich leider gegen solche Publikationen nicht mehr wehren. Daher ist ein Besuch der Ausstellung für Interessierte eigentlich unentbehrlich. - Christoph Erlemeier -
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 Bilder verstehen: Wahrnehmung und Entwicklung der bildnerischen Sprache
Bettina Egger
Broschiert, Oktober 2006 Verkaufsrang: 88747 Gewöhnlich versandfertig in 24 Stunden
Bilder bilden die Sprache der Seele. Es ist eine Sprache mit Vokabular und Grammatik, man kann sie verstehen, sie ist lernbar. Es ist eine Sprache, die das Wesen des Menschen sichtbar macht und seiner Kreativität Ausdruck verleiht.
Bettina Eggers Buch ist eine Einführung in diese Bildersprache. Es bietet die Möglichkeit einer neuen Art der Betrachtung. Nicht psychologische Interpretationen oder ästhetische Kriterien, sondern die eigentlichen Grundformen und Grundstrukturen der spontanen Malerei werden hier nach ihrer Bedeutung untersucht.
Die Fülle der Dokumentation und die leicht verständliche Sprache zeugen von einer langjährigen Erfahrung einer Autorin, die genau weiß, worüber sie spricht und was sie vermitteln will. Die Leser finden neue Anhaltspunkte, um ihre eigenen und die Bilder anderer neu zu sehen und zu verstehen. Wer immer in Kontakt mit malenden Kindern oder Erwachsenen ist, wird dieses Buch als große Bereicherung begrüßen.
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 New Media Art
Mark Tribe, Reena Jana
Broschiert, März 2006 Verkaufsrang: 171610 Gewöhnlich versandfertig in 24 Stunden
Der Begriff New Media Art beschreibt umfassend eine Kunstrichtung, die sich auf neue Technologien bezieht oder mit ihnen arbeitet - Ende des 20. Jahrhunderts entwickelte oder allgemein zugänglich werdende Technologien. Dieses Buch definiert New Media Art als einen internationale Kunstbewegung und eine künstlerische Praxis.
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 Tiere im Haus: Zeichnen lernen - Mit Schritt-für-Schritt-Anleitungen
Jenna Winterberg
Broschiert, Januar 2008 Verkaufsrang: 28341
Schritt für Schritt Zeichnen lernen mit 11 Tieren. Geschichtenbuch mit über 40 Belohnungsstickern. Zeichenblock mit angefangenen Zeichnungen zum Weitermalen.
Lesermeinungen (Wiedergabe von Amazon.de, s.u.):
Durchschnittliche Gesamt-Bewertung: 5.0 von 5.00 Punkten (Insgesamt 1 Bewertung)
Super Preis-Leistungs-Verhältnis 5 von 5 Punkten
Diese Hefte sind wirklich ihr Geld wert.
Es wird die Geschichte vom Hund Leon erzählt. Dabei wird in einem erklärt, wie man ihn ganz einfach malen kann (Schritt für Schritt Anleitung mit 6 Bildern). So lernen die Kinder während der Geschichte elf Haustiere malen. Außerdem beinhaltet das Heft noch Sticker, die man in die Geschichte um Leon integrieren kann und einen Zeichenblock. Der Zeichenblock kann verwendet werden, während eine der Schritt für Schritt Zeichnungen im Buch aufgeschlagen ist. Der Block enthält elf unfertige Zeichnungen, die das Kind vervollständigen kann. So gewinn es Sicherheit, bevor es seine eigenen Tiere zeichnet.
Meine Kinder sind total begeistert und deswegen kann ich die Hefte nur weiterempfehlen. |
 Willem de Kooning (Basic Art Album)
Barbara Hess
Taschenbuch, Juli 2004 Verkaufsrang: 142972 Gewöhnlich versandfertig in 24 Stunden
Der niederländisch-amerikanische Maler Willem de Kooning (1904-1997) ist einer der Hauptvertreter des Abstrakten Expressionismus. Zusammen mit Jackson Pollock gilt er als Erfinder des Action Painting. In den dreissiger Jahren noch der gegenständlichen Malerei verpflichtet, experimentiert er in den vierziger Jahren unter dem Einfluß von Arshile Gorky mit abstrakten Lösungen. 1950 beginnt de Kooning mit "Woman I" die Serie seiner berühmten, monumentalen Frauenbilder, in denen er die Frau als Landschaft, als "Womanscape" begreift. Die Bilder stoßen zunächst auf heftigen Protest, da sie als obszön empfunden werden
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 Wie Bilder Sinn erzeugen: Die Macht des Zeigens
Gottfried Boehm
Gebundene Ausgabe, 30. Juni 2008 Verkaufsrang: 34171 Gewöhnlich versandfertig in 24 Stunden
Der Umgang mit Bildern gehört zu den kulturellen Leistungen, über sich Humanität definiert. Zur Klärung ihrer Funktionsweise hinterfragt Gottfried Boehm ihre deiktischen Wurzeln, ihre Logik und ihre Aufhebung im Ikonoklasmus. Er skizziert die Bildgeschichte der Natur, definiert Bilder als zentrales Instrument der Erkenntnisgewinnung und beschreibt ikonisches Wissenals modellhaftes Denken. Von der Archäologie der Zeichnung spannt er den Bogen zu bildlichen Gattungen der Moderne und analysiert den Einfluss von Matisse auf Ausdruck und Dekoration. Eröterungen zur Unbestimmtheit in Bezug auf die Logik des Bildes leiten über zum Bildkurs und zur Untersuchung der Macht, die von Bildern ausgeht.
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 Airbrush Grundwissen
Roland Kuck
Gebundene Ausgabe, September 2008 Verkaufsrang: 47962 Noch nicht erschienen.
Sowohl Einsteiger wie auch Fortgeschrittene werden dieses Lehrbuch der Airbrushtechnik als unentbehrlichen Ratgeber für die faszinierende Arbeit mit der Sprühpistole nicht mehr missen mögen. Grundlegende Techniken zur Einführung und fachmännische Tipps zu den wichtigsten Einsatzmöglichkeiten des Airbrush begleiten jeden, der die Spritztechnik erlernen, vervollkommnen und schließlich professionalisieren möchte. Vielfach erprobte Step-by-step Anleitungen und sorgfältig konzipierte Übungen ermöglichen dem Leser einen mühelosen Einstieg in das Basiswissen und im Weiteren die Aneignung der Fähigkeiten für komplexes künstlerisches Arbeiten. Die Vorzüge der Freihandtechnik werden ebenso ausführlich besprochen wie die Lösung von Problemen und Schwierigkeiten, die bei der Arbeit mit Masken auftreten können.
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 Airbrush-Technik, Lichteffekte
Judy Martin
Taschenbuch, 2000
Verkaufsrang: 66696
Gewöhnlich versandfertig in 24 Stunden
|  Ton Schulten 2009. Posterkalender
Kalender, April 2008
Verkaufsrang: 38319
Gewöhnlich versandfertig in 24 Stunden
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 Paul Gauguin, Kunstpostkarten
Paul Gauguin
Broschiert, 2006
Verkaufsrang: 69462
Gewöhnlich versandfertig in 24 Stunden
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