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Zusammenfassungen | |
 Sammlung Leonardo, Bd.8, Akt, Öl und Acryl: Malen macht Freude
Taschenbuch, Dezember 1999 Gewöhnlich versandfertig in 24 Stunden
Lesermeinungen (Wiedergabe von Amazon.de, s.u.):
Durchschnittliche Gesamt-Bewertung: 5.0 von 5.00 Punkten (Insgesamt 1 Bewertung)
Einfach WAHNSINNIG GUT!!! 5 von 5 Punkten
Schon allein die Bilder sind absolut sehenswert. Selbst als Nicht-Künstler mag man dieses Buch gern ansehen. Aber auch für alle Künstler und Laien ist dieses Buch absolut empfehlenswert. Viele Schritt für Schritt-Anleitungen, ein Einlegeblatt mit zwei Aktzkizzen zum Üben oder Abpausen. Die Bilder in s/w oder Farbe. Absolut empfehlenswert!!! ********** Sterne von mir ^-^ |
 Kubismus (Taschen Basic Art Series)
Anne Ganteführer-Trier
Taschenbuch, November 2004 Gewöhnlich versandfertig in 24 Stunden
Der Kubismus knüpft als Kunstrichtung an die nachimpressionistische Malerei an und entstand 1907 in Paris. Cézannes Ausspruch, alles in der Natur wäre auf die geometrischen Formen Kubus, Kugel, Zylinder und Kegel zurückzuführen, wurde zum Leitsatz dieses Kunststils. Mit Picassos „Les Desmoiselles d`Avignon“ tauchen kubistische Elemente zum ersten Mal in der Kunstgeschichte auf. In der ersten Phase, dem so genannten analytischen Kubismus, wurde bei Zurücknahme der Farbskala der Gegenstand auf seine stereometrischen Grundformen reduziert. Die Aufsplitterung in kantige Facetten diente sowohl der simultanen Darstellung verschiedener Ansichten der Dinge, als auch durch Ausschaltung der Dreidimensionalität, und seiner Einbindung in die Flächenordnung. Als Hauptvertreter des Kubismus gelten: Pablo Picasso, Juan Gris, Georges Braque, Ferdiand Leger und André Derain.
Lesermeinungen (Wiedergabe von Amazon.de, s.u.):
Durchschnittliche Gesamt-Bewertung: 5.0 von 5.00 Punkten (Insgesamt 1 Bewertung)
toller Überblick 5 von 5 Punkten
Dieses Buch verschafft einen weiträumigen Überblick über diese Kunstrichtung. Besonderes Augenmerk wird natürlich auf die beiden bedeutendsten Künstler dieser Epoche geworfen: Picasso und Braque. Alle wichtigen Eigenheiten und Gruppierungen werden in der Einleitung dargestellt. Danach werden einzelne Werke erläutert und die besonderen Merkmale des Kubismus an ihnen hervorgehoben! Das Preis - Leistungsverhältnis ist top, ich kenne keine so günstigen und trotzdem detaillierten Bücher wie die aus dieser Reihe des Taschen- Verlages! Diese Bücher sind besonders gut strukturiert, sodass man nach dem ersten Lesen auch schnell einmal etwas nachschlagen kann, ohne lange zu suchen! Wirklich empfehlenswert für alle die sich mit dem Kubismus vertraut machen wollen! |
 Bob Dylan: The Drawn Blank Series
Gebundene Ausgabe, November 2007
Bei Amazon z.Zt. leider nicht lieferbar! |
Bob Dylan zeigt ab dem 28 Oktober (und bis zum 03 Februar 2008) die weltweit erste Ausstellung seiner Bilder in den Kunstsammlungen Chemnitz. Trotz seiner mehr als vier Jahrzehnte währenden malerischen Arbeit ist diese dreimonatige Ausstellung - The Drawn Blank Series - seine erste Museumsschau. Speziell für diese Ausstellung schuf Bob Dylan über 200 mehrfarbige, auffallend intensive Variationen von Motiven aus Zeichnungen und Skizzen, die zwischen 1989 und 1992 entstanden und 1994 unter dem Titel "Drawn Blank" bei Random House als Buch erschienen. Im Vorwort zu diesem Buch erklärte der Künstler, es handele sich um Skizzen für Gemälde, die er eventuell später ausführen wolle. Die jetzt vollendeten Werke sind fotolithografische Übertragungen eigener Bildmotive auf Büttenpapier, denen Bob Dylan mit Aquarell- und Gouachefarben überraschend neue Variationen und Ausdrucksmöglichkeiten verlieh. Gefragt, warum diese Ausstellung gerade in Chemnitz gezeigt wird, erklärte die Direktorin der Kunstsammlungen, Ingrid Mössinger: "Ich habe das Buch mit Bob Dylans Zeichnungen in der Ausstellung 'Bob Dylan's American Journey, 1956-1966' in The Morgan Library and Museum in New York gesehen. Daraufhin habe ich mir sofort ein Exemplar gekauft und mich nach den Originalen erkundigt." Und Bob Dylan selbst sagt: "Das Interesse von Ingrid Mössinger hat mich fasziniert und den Anstoß dafür gegeben, das umzusetzen, was ich mit diesen Zeichnungen vor Jahren machen wollte." Und weiter: "Ich weiß nicht, ob ich ohne dieses Interesse je an den Bildern weitergearbeitet hätte."
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Durchschnittliche Gesamt-Bewertung: 4.0 von 5.00 Punkten (Insgesamt 1 Bewertung)
Eine andere Perspektive 4 von 5 Punkten
Bob Dylan hat einige seiner Bleistiftzeichnungen, nachdem sie mit digitalem Verfahren auf Büttenpapier übertragen wurden, nachträglich koloriert und durch die Bilder sieht man ein wenig in sein Innerstes. Obwohl kein Jahrhundertwerk, erlebt der Betrachter dieser 170 Bilder eine neue Welt von Dylans Kunst.
Mehrfachbegabungen gibt es bei vielen Künstlern, z.B. G. Grass oder L. da Vinci u.a., bei Dylan ist es eben die Malerei.."When I paint my Masterpiece...!
Für jeden Dylan Fan eine schöne Überraschung, dieser Einblick ist wesentlich informativer als seine Biografie "Chronicles".
Die Bilder sind alle in Chemnitz auf einer Ausstellung bis Februar 2008 zu betrachten.
Ein schönes Buch mit für einen Nicht-Kunstexperten etwas schwer zugänglichen Textbeiträgen.
Der Kauf lohnt in jedem Fall.
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 Der Garten am Wannsee: Maria besucht Max Liebermann
Sabine Carbon, Barbara Lücker
Gebundene Ausgabe, Mai 2005
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Durchschnittliche Gesamt-Bewertung: 5.0 von 5.00 Punkten (Insgesamt 1 Bewertung)
Ein Kinderbuch, auch für Erwachsene 5 von 5 Punkten
Ein traumhaft schönes Bilderbuch - Kinder können sich an den Gartenbildern aus Liebermanns Sommerresidenz am Wannsee erfreuen und gleichzeitg Kunst- und Zeitgeschichte auf kindgerechte Art erleben. Auch für Erwachsene ein Augen- und (Vor)leseschmaus. |
 Das offene Kunstwerk
Umberto Eco
Taschenbuch, 21. Juni 2002 Gewöhnlich versandfertig in 24 Stunden
Wir könnten auch sagen, daß der Begriff "offenes Kunstwerk" das meint, was Riegl Kunstwollen nannte und Erwin Panofsky besser...als letzten und endgültigen Sinn bezeichnet, den man in verschiedenen künstlerischen Phänomenen antreffen kann, unabhängig von den bewußten Entscheidungen und psychologischen Einstellungen des Urhebers.
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Durchschnittliche Gesamt-Bewertung: 5.0 von 5.00 Punkten (Insgesamt 1 Bewertung)
Ein Klassiker der Kunsttheorie 5 von 5 Punkten
Wer in der mittlerweile unüberschaubaren Sekundärliteratur über Umberto Ecos wissenschaftliches und literarisches Werk den Überblick verloren hat, kann in „Das offene Kunstwerk" zurück an die Quellen gehen. Bestehend aus teilweise lose zusammenhängenden Aufsätzen (darunter z.B. „Zen und der Westen"), enthält diese Ausgabe neben einem äußerst ausführlichen und instruktiven Vorwort (eine positive Ausnahme im Genre der Einleitungsschreiberei) zwei zentrale Texte, nämlich die „Poetik des offenen Kunstwerkes" und „Analyse der dichterischen Sprache". Ersterer gibt Erhellendes zur Relation Interpret/Konsument - Kunstwerk und arbeitet Interpretation, das Zusammenspiel zwischen dem Künstler und seinen Rezipienten, als Grundvoraussetzung für künstlerisches Schaffen überhaupt heraus: ein Kunstwerk gleich welcher Art ist notwendigerweise unvollendet (d.h. offen), wenn es dem Interpreten unter die Augen/Ohren kommt. Über die Analyse der dichterischen Sprache nähert sich Eco dem Prozess der Interpretation unter Verwendung semiotischer Erkenntnisse am Exempel der Literatur. In einer klaren Sprache, nicht halb so sibyllinisch wie man fürchten könnte, versucht Eco wissenschaftlich darzulegen, worin der sog. ästhetische Reiz besteht und im Zusammenhang damit, was die Rezeption von Kunstwerken (in diesem Fall Literatur/Drama) auszeichnet. In die Tiefe (und für meinen Teil bisweilen Untiefe) geht „Das offene Kunstwerk" im zweiten Hauptteil bei der Analyse der Poetiken (der sog. künstlerischen Operationsprogramme) von James Joyce.
Zweifelsohne ein Buch für lange Winterabende und nicht unbedingt für die U-Bahn, aber auch für eifrige Dilettanten ein Gewinn. |
 Airbrush-Technik, Maske und Schablone
Judy Martin
Taschenbuch, Januar 2007 Gewöhnlich versandfertig in 4 bis 6 Tagen.
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Durchschnittliche Gesamt-Bewertung: 5.0 von 5.00 Punkten (Insgesamt 1 Bewertung)
ganz toll 5 von 5 Punkten
Also ich habe das Buch gekauft als TOTALER LEIE und hab alles super verstanden also wenn man sich dafür ein bisschen interresiert solte man sich dieses Buch kaufen viel spaß ich hoffe ich konnte dir helfen |
 1001 Gemälde: die Sie sehen sollten, bevor das Leben vorbei ist. Ausgewählt und vorgestellt von 83 Künstlern, Kuratoren, Kunstkritikern und Sammlern
Broschiert, Februar 2008 Gewöhnlich versandfertig in 24 Stunden
Ein Fest für die Augen unterhaltsam, informativ und überraschend: Mit 1001 GEMÄLDE erfahren Sie in einem kompakten, übersichtlich geordneten Handbuch alles Wissenswerte über sensationelle Gemälde aus der ganzen Welt. Begleiten Sie Professor Farthing auf seinem Rundgang durch alle Kunstepochen. Viele Bilder sind in Museen wie dem Pariser Louvre oder dem New Yorker MoMA leicht zugänglich, andere sind über die ganze Welt verstreut. Aber jedes einzelne ist eine Reise wert. Ein gutes Bild muß man gesehen haben, um es zu verstehen; es reicht nicht, sich davon erzählen zu lassen, man muß sich Zeit dafür nehmen. Deshalb will dieses Buch mehr sein als ein Bildband, den man gerne auf dem Sofa durchblättert, es ist Kunstkatalog und Reiseführer in einem. Als unentbehrliches Handbuch für alle Kunstliebhaber bietet 1001 GEMÄLDE prägnante und viele neue Einblicke in die Welt der Kunst. Von altägyptischen Wandmalereien bis zu zeitgenössischen Leinwandexperimenten dieses Buch ist ebenso umfassend
wie schön gestaltet. Hier finden Sie Farbbilder von mehr als tausend der eindrucksvollsten, aufregendsten, wichtigsten, umstrittensten und fesselndsten Werke der Kunstgeschichte allein 400 von ihnen stammen aus dem 20. und 21. Jahrhundert, darunter zahlreiche Neuentdeckungen aus Galerien und kleinen Museen.
Lesermeinungen (Wiedergabe von Amazon.de, s.u.):
Durchschnittliche Gesamt-Bewertung: 3.5 von 5.00 Punkten (Insgesamt 2 Bewertungen)
Empfehlenswerter Kunstführer 4 von 5 Punkten
Die Auswahl der Gemälde ist natürlich eine subjektive - es gibt sicherlich Kriterien, die ein Kunstwerk als gut oder schlecht, als bedeutend oder unbedeutend klassifizieren, dennoch hat der Herausgeber von 1001 Gemälde" es geschafft, eine Auswahl zu treffen, die manchmal überrascht, die interessant, abwechslungsreich und vielseitig ist und vor allem sehr, sehr umfangreich. Ob sie gar zu umfangreich ist, das muss jeder Leser für sich selbst entscheiden. Wer sich bisher noch nie mit Kunst beschäftigt hat, wer gerade einmal Van Gogh und Picasso kennt, wird sich von der Informationsmenge sicher erstmal erschlagen und überfordert fühlen. Kunstliebhaber allerdings werden sich freuen, wenn sie ihre Lieblingsgemälde hier finden und viele neue Kunstwerke kennen lernen.
Bedauernswert ist jedoch, dass manche Bilder so klein abgebildet wurden, dass man kaum noch Details erkennt, so geht der ganze Zauber schnell verloren. Hier wäre es mitunter doch besser gewesen, sich auf weniger Gemälde zu beschränken, damit man dem ein oder anderen mehr Platz hätte schenken können, eventuell auch mal eine ganze Seite. Denn, wie der Titel schon sagt, es geht um Gemälde, die man sehen sollte - ein Bild eingehend zu betrachten ist letztlich immer besser, als nur davon zu lesen.
1001 Gemälde" ist trotz dieses kleinen Mangels ein empfehlenswerter Kunstführer, der den Leser durch verschiedene Epochen und Länder begleitet und den man immer wieder zur Hand nehmen kann, um ein neues interessantes Gemälde zu entdecken und auch die Geschichte, die hinter dem Bild steckt.
500 hätten es auch getan 3 von 5 Punkten
100 ist gut, 500 ist besser - wie gut müssen dann erst 1001 sein...? Der aktuelle Hang zur Gigantomanie geht zumindest in diesem Kunstbüchlein ziemlich daneben; das bloße Ansammeln von tatsächlichen und vermeintlichen Attraktionen bringt recht wenig.
Präsentiert werden Bilder von der altägyptischen Kunst bis hin zum 21. Jahrhundert. Geordnet sind die Gemälde chronologisch, d.h. streng nach Jahreszahlen geordnet. So findet man Werke ein und desselben Malers nicht immer gleich hintereinander, was manchmal ein wenig verwirrend ist. Thematisch fällt auf, dass die "alte Kunst" in der Relation zum Übrigen ein wenig unterrepräsentiert erscheint: nach einem Drittel des Buches ist schon die gesamte Entwicklung der Malerei bis zur Mitte des 18.Jahrhunderts abgehandelt. Die Auswahl der Werke ist, wie immer in solchen Kompendien, rein willkürlich und daher auch anfechtbar, im Großen und Ganzen aber gut getroffen.
Es finden sich ein meist gut recherchierter Text, der das Bild, den Maler und Wissenwertes aus dem Umfeld beschreibt, sowie eine sauber reproduzierte Abbildung. Die Kleinheit der Illustration lässt genaueres Betrachten der Kunstwerke allerdings kaum zu - wenn zwei Werke auf einer Seite besprochen werden, ist die Abbildung gar nur knapp so groß wie eine Sonderbriefmarke.
Man wollte einen Kunstband produzieren und hat den Inhalt in ein Kleinformat gepresst. So ist es eben ein "Kunstbändchen" geworden, ein dickes Taschenbuch mit fast tausend Seiten...
Preislich ist das Buch allerdings im mittleren Segment angesiedelt, was mir angesichts der visuellen Unzulänglichkeiten nicht wirklich günstig erscheint. |
 Vilhelm Hammershøi
Vilhelm Hammershoi, Felix Krämer, Naoki Sato, Anne-Birgitte Fonsmark
Gebundene Ausgabe, Juni 2008 Gewöhnlich versandfertig in 24 Stunden
»Hammershøi ist nicht von denen über die man rasch sprechen muss. Sein Werk ist lang und langsam und in welchem Augenblick man es auch erfassen mag, es wird immer voll Anlass sein, vom Wichtigsten und Wesentlichen in der Kunst zu sprechen.«
Rainer Maria Rilke
Der faszinierendste Anteil von Vilhelm Hammershøis ungewöhnlichem Gesamtwerk besteht aus ruhigen, fast gespenstisch anmutenden Innenräumen, die nur manchmal von einer einzelnen Person belebt werden, zumeist Ida, die Frau des Künstlers. Die geometrisch strengen Gemälde seiner Kopenhagener Wohnung machen fast die Hälfte des uvres des Dänen (1864–1916) aus. Zumeist in subtilen, pudrigen Weiß-, Grau- und Blautönen gehalten, verströmen diese sparsam möblierten Räume eine fast hypnotische Stille und eine ausgesprochen melancholische, introvertierte Stimmung.
Neben Hammershøis kostbare Interieurs stellt die Monografie eine Auswahl seiner bemerkenswerten Porträts sowie Landschaftsgemälde und stimmungsvolle Stadtveduten. Zwar sind Hammershøis Arbeiten im Kontext des Symbolismus des Fin de Siècle anzusiedeln und erlebbar. Ihre besondere puristische Strenge macht sie jedoch zu einem singulären Beitrag zur europäischen Kunst der Moderne, den die Publikation eindrucksvoll vor Augen führt.
Ausstellungen: Royal Academy of Arts, London 28.6.–7.9.2008 National Museum of Western Art, Tokio 30.9.–7.12.2008
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 Andy Warhol: 1928-1987. Kunst als Kommerz
Klaus Honnef
Taschenbuch, Dezember 1999 Gewöhnlich versandfertig in 24 Stunden
Lesermeinungen (Wiedergabe von Amazon.de, s.u.):
Durchschnittliche Gesamt-Bewertung: 4.5 von 5.00 Punkten (Insgesamt 2 Bewertungen)
Gutes Buch zum Einstieg in die Materie 4 von 5 Punkten
Dieses Buch gibt einem einen guten Überblick über die Stationen ins Warhol's Leben, einen der Begründer der Pop Art, und ist preislich natürlich nicht zu schlagen. Man erfährt, dass Andy Warhols (sein Geburtsname lautete Andrew Warhola) Eltern aus der Tschechoslowakei nach Amerika eingewandert sind und er in Pennsylvania aufwächst. Erst 1949 nach dem Abschluss seines Studiums mit einem Bachelor of Fine Arts zieht er nach New York um.
Zunächst arbeitet er als Werbegrafiker für die Vogue und Harpers Bazaar und fertigt die berühmten Schuhzeichnungen für die Schuhfirma I. Miller an. Seinen Namen kürzt er in dieser Zeit auf Andy Warhol. Warhol erhält für seine Arbeit mehrere Preise und beginnt 1960 erste Comic strips anzufertigen. Als Roy Lichtenstein aber auf diesem Gebiet hervor prescht, besinnt er sich auf eine andere Möglichkeit, Kunst zu machen: Er erstellt Bilder mit dem Siebdruckverfahren.
Es entstehen die bekannten Bilder mit Campbells Suppendosen oder Hollywood Superstars als Motive. Kurz danach beginnt er die Fotos aus Zeitungen, die Katastrophen und Tod zum Inhalt haben, anzufertigen (Ich erkannte, daß alles, was ich tue, mit dem Tod zusammenhängt, Andy Warhol). Etwas später entstehen auch Bilder vom elektrischen Stuhl, über die Warhol einmal sagte: Man wird nicht glauben, wie viele Leute sich ein Bild mit dem elektrischen Stuhl ins Zimmer hängen, vor allem, wenn die Farbe des Bildes mit den Vorhängen übereinstimmt.
Es entsteht die berühmte Factory, in der ein ganzer Stab von Mitarbeitern angestellt ist und in welcher junge Künstlern, Schwule und Lesben ein und aus gehen. Auch wird seine künstlerische Beziehung zu anderen berühmten Künstlern aus der Pop Art, wie Robert Rauschenberg, Roy Lichtenstein oder Jean-Micheal Basquiat dargestellt.
Manchmal muss ich allerdings sagen, dass mir die Art des Autors zu schreiben nicht so ganz gefiel. Daher nur 4 Punkte. Alles in allem aber ein sehr interessantes Buch über Andy Warhol, das einen guten ersten Einstieg in die Thematik bietet.
Alles Wissenswerte zu Warhol zu einem super Preis! 5 von 5 Punkten
Wer kennt nicht den exzentrischen Meister der Pop Art. Seine Bilder sind heute aus keinem Museum für Moderne Kunst mehr wegzudenken und seine Werke haben die Pop Art der letzten 40 Jahre geprägt, wie kein anderer. Von Suppendosen von Campell Soup, Autos über Stars wie Marilyn Monroe und Elvis Presley hat er alles in seinem markanten Stil als Adaptionen wiedergegeben. Taschen huldigt nun dem Meister ein, wie ich finde, sehr gut gelungene Taschenbuchübersicht über sein Leben, die wichtigsten Werke und alles Wissenswerte zu Andy Warhol.
Obwohl ich diverse Bücher über Pop Art und Andy Warhol besitze, finde ich dieses Werk eine gute Ergänzung, denn es gibt zahlreiche Werke auf rund 100 Seiten in übersichtlicher Form wieder. Das Buch kann ich jedem Einsteiger zum Thema Andy Warhol und Pop Art nur ans Herzen legen und bei diesem Preis lohnt es sich auch, diverse andere Titel aus der Serie zu beziehen. Viel Spass! |
 Bild-Anthropologie: Entwürfe für eine Bildwissenschaft
Hans Belting
Gebundene Ausgabe, November 2005 Verkaufsrang: 144587 Gewöhnlich versandfertig in 24 Stunden
Lesermeinungen (Wiedergabe von Amazon.de, s.u.):
Durchschnittliche Gesamt-Bewertung: 5.0 von 5.00 Punkten (Insgesamt 1 Bewertung)
Meister des Bildes 5 von 5 Punkten
Hab erst vor kurzer Zeit dieses Buch gelesen weil ich auf der Suche nach dem Thema Bild und Tod war. Natürlich fand ich es beim Hans Belting thematisiert - und wie! Ausserdem behandelt dieser Meister des Bildes unserer Zeit in seinem Buch auch andere Themen wie "Medium-Bild-Körper", Dantes Bildtheorie, Verkörperungen in frühen Kulturen, Photographie etc. mit zahlreichen Fotos (leider nur in s/w) die dieses Theoretische Meisterwerk schön ausgleichen.
Wer was zum Thema des Bildes erfahren will, dann sollte er Herrn Belting nicht umgehen (siehe andere Belting-Bücher). Und wenn man diese Arbeit(en) nicht informativ findet, dann sollte man es lieber sein lassen.
Dieses Buch ist eine wirklich gute Arbeit die sich leicht liest und, vom Haussofa aus, Einblicke in eine interessante und manchmal mystische Bilderwelt gewährt!
Ein Buch für Wissenschaftler, Akademiker, Common people und diejenigen die es besser wissen wollen! Empfehlenswert! |
 Der Klang der Seele. Portraits
Henri Cartier-Bresson, Jean-Luc Nancy
Gebundene Ausgabe, April 2006 Verkaufsrang: 126860 Gewöhnlich versandfertig in 24 Stunden
Henri Cartier-Bresson (1908-2004) war ein Meister des psychologischen Portraits. Seiner eigenen Leidenschaft für die Kunst und dem Drängen angesehener Magazine verdanken wir die schönsten und berührendsten Künstler- und Literatenportraits des 20. Jahrhunderts: Matisse, Bonnard, Braque, Giacometti, Colette, Truman Capote, Sartre ... Auch nachdem er gegen Ende der 60er Jahre das Photographieren zugunsten des Zeichnens offiziell aufgegeben hatte, griff er doch bis zum Ende seines langen Lebens immer wieder zur Kamera, wenn ihn ein Gesicht, ein Blick, ein Charakter reizten. Im Gegensatz zum Maler oder Zeichner kann die Beziehung des Photographen zu seinem Modell nur flüchtig sein. Die Persönlichkeit und die Eigenart des Gegenübers im Bruchteil einer Sekunde zu erfassen, setzt jene rare Sensibilität und Menschenkenntnis voraus, über die Henri Cartier-Bresson in so hohem Maße verfügte. Jedes Portrait war das Ergebnis eines stummen Dialogs, einer stillschweigenden Auseinandersetzung zweier Augenpaare. Unser Band begleitet die erste große Ausstellung, die die 2002 in Paris gegründete Fondation Henri Cartier-Bresson aus ihren eigenen reichen Beständen zusammenstellte. Er enthält 96 Portraits aus den Jahren 1931 bis 1999.
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Durchschnittliche Gesamt-Bewertung: 5.0 von 5.00 Punkten (Insgesamt 1 Bewertung)
Die große Kunst Henri Cartier-Bressons 5 von 5 Punkten
Vielen gilt Henri Cartier-Bresson als der wichtigste und bedeutendste Fotograf des 20. Jahrhunderts. Wie kaum einem anderen haben wir es ihm zu verdanken, dass die Fotografie heute mit aller Selbstverständlichkeit als Kunstform gilt. Was seine Fotografien in besonderem Maße auszeichnet, lässt sich auch und gerade an seinen Portraits studieren: Bildkomposition, ungestellte Situation, Einfügung des Porträtierten in seine übliche Lebensumgebung und vor allem: das Auslösen im entscheidenden und richtigen Augenblick, jener zehntausendstel Sekunde, in der sich die Seele des Porträtierten zeigt.
Cartier-Bressons Art zu Fotografieren hat etwas mit Meditation zu tun. Er fotografiert aus der Ruhe und der Stille heraus. Nur so gelingt es im, den entscheidenden Augenblick zu erfassen. In diesem Augenblick fügt sich das Bild im Sucher zu einem Ganzen zusammen.
Immer war sich Cartier-Bresson bewusst, dass er als Fotograf in den Privatbereich seines Gegenübers einbricht, dass er eine Grenze überschreitet. Durch seine Art, sowohl menschlich als auch fotografisch, fiel er den Dargestellten aber nie zur Last, anders als etwa ein Avedon, zu dem Henry Kissinger einmal sagte: "Bitte, seien Sie gnädig mit mir!" Cartier-Bresson trat seinen "Opfern" nie zu nahe. Dies spürt man seinen Bildern ab. Gerade darin schenken seine meisterhaften Fotografien einen Blick in die Seele der Porträtierten, der eine große Wertschätzuung des Gegenübers bezeugt. Isabelle Huppert z.B. erinnerte sich mit Dankbarkeit an die Sitzung mit Cartier-Besson und erklärte dessen besondere Kunst damit, dass er durch sein Portrait von ihr eine Seite ihrer Seele zeige, die sie selber noch nicht kenne. |
 Die große Zeichenschule Stillleben: Grundlagen - Techniken - Motive
Barrington Barber
Taschenbuch, Juni 2005 Verkaufsrang: 116763 Gewöhnlich versandfertig in 24 Stunden
Dem Hobbykünstler eröffnet das Thema Stillleben die Möglichkeit, mit Alltagsgegenständen kunstvolle Kompositionen zu gestalten. Barrington Barber zeigt, wie Gegenstände wirkungsvoll anzuordnen sind, wie man Oberflächen und Formen herausarbeitet und ungewöhnliche Perspektiven einfängt.
Lesermeinungen (Wiedergabe von Amazon.de, s.u.):
Durchschnittliche Gesamt-Bewertung: 4.0 von 5.00 Punkten (Insgesamt 2 Bewertungen)
Viele Bilder zur Veranschaulichung und zum Nachahmen 4 von 5 Punkten
Zu Beginn dieses Buches werden ersteinmal Grundformen geübt, sowie die richtige Technik des Schattierens. Weiter geht es dann mit einfacheren Gegenständen wie Gläser, Flaschen und Krügen, was auch noch recht verständlich ist. Dennoch lässt der Autor nach einiger Zeit mit seinen Kommentaren nach, obwohl es gerade für Anfänger einiger Erklärungen bedarf. Das gesamte Buch besteht aus vielen gezeichneten Bildern ohne dass man genau die richtigen Techniken erfährt, diese werden nur angeschnitten. Im Groben und Ganzen gefällt mir das Buch dennoch sehr, denn man kann durch bloßes Hinschauen und Nachahmen auch einiges dazulernen. Es ist immer einfacher schon etwas Gezeichnetes als Vorlage zu haben, als am Ende mit einem großen Fragezeichen vor einem Stillleben zu stehen und gar nicht zu wissen wie es wohl als Zeichnung umgesetzt aussehen könnte. Also, ich empfehle dieses Buch zum Üben, richtige Regeln und Techniken sollte man sich dennoch woanders anschaffen.
Schritt für Schritt 4 von 5 Punkten
Die große Zeichenschule Stillleben zeigt Schritt für Schritt wie man Gegenstände zeichnet und kombiniert. Angefangen mit ganz einfachen Formen lernt man immer schwierigere Zeichnungen umzusetzen. Eingegangen wird auch auf verschiedene Zeichenmittel.
Ein gutes Werk um Stillleben richtig zeichnen zu lernen. Es ist sowohl für Anfänger, als auch für Fortgeschrittene geeignet. |
 Ich habe alles gelebt. Bekenntnisse einer Sammlerin aus Leidenschaft
Peggy Guggenheim
Taschenbuch, August 1998 Verkaufsrang: 12214 Gewöhnlich versandfertig in 24 Stunden
Sie sammelte Männer und Kunst. Die Männer gingen, die Kunst blieb. In ihren respektlosen Memoiren plaudert Peggy Guggenheim (1898 - 1979) anekdotenreich über ihre stürmischen Liebesaffären mit berühmten Künstlern wie Max Ernst, Jackson Pollock und Marcel Duchamp, über den mächtigen Guggenheim-Clan sowie über ihre provokanten Kunstausstellungen. Entstanden ist dabei nicht nur das schillernde Porträt eine außergewöhnliche Frau, sondern zugleich auch eine unterhaltsame Dokumentation über einen bedeutenden Abschnitt der modernen Kunstgeschichte. Dies ist die erste ungekürzte deutsche Ausgabe der berühmten Autobiographie Peggy Guggenheims. Mit zahlreichen bisher unveröffentlichten Abbildungen.
Lesermeinungen (Wiedergabe von Amazon.de, s.u.):
Durchschnittliche Gesamt-Bewertung: 3.0 von 5.00 Punkten (Insgesamt 8 Bewertungen)
Großartig 5 von 5 Punkten
Ich bin schon seit Jahren ein Fan dieses Buches und habe es etwa 5-6 mal gelesen. Während andere Rezensenten die Art und Weise bemängeln, wie das Buch geschrieben ist, finde ich es im Gegenteil außerordentlich witzig und erfrischend respektlos. Es stimmt, dass Peggy Guggenheim einem mit der Lektüre nicht unbedingt sympathischer wird, weil sie egoistisch und egozentrisch war, aber das wird sie auch nicht gewollt haben. Es dürfte ihr vielmehr herzlich egal gewesen sein, was ihre Leser von ihr halten. Nebenbei erhält man interessante Einblicke in die junge Kunstszene von New York, Paris und London der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Meines Erachtens uneingechränkt empfehlenswert.
 Weitere Lesermeinungen |
 Franciens Katzen 2009
Kalender, Juni 2008 Verkaufsrang: 48221 Gewöhnlich versandfertig in 24 Stunden
Franciens Katzenkalender ist ein Muss für alle Katzenfreunde. Das Kalendarium bietet viel Platz für Notizen, die Zeichnungen zeigen detailgetreu und liebevoll was Franciens kleine Katzenfamilie das Jahr über wieder erlebt.
Lesermeinungen (Wiedergabe von Amazon.de, s.u.):
Durchschnittliche Gesamt-Bewertung: 5.0 von 5.00 Punkten (Insgesamt 3 Bewertungen)
Sammlerstück 5 von 5 Punkten
Mit viel Liebe zum Detail wurde dieser Kalender gefertigt.
Ein Sammlerstück für alle Katzen-Fans und Liebhaber der realistischen Malerei.
Weitere Lesermeinungen |
 Schnellkurs Kunst der Gegenwart
Stephan Trescher
Taschenbuch, Oktober 2003 Verkaufsrang: 69214 Gewöhnlich versandfertig in 24 Stunden
Wie ein undurchdringlicher Dschungel mag einem die Kunst der Gegenwart bisweilen erscheinen. Es gibt viele parallele Strömungen, ganz unterschiedliche Ausdrucksformen und eine Vielzahl an Künstlern. Wer schafft es da schon als Laie, die Orientierung zu bewahren? So versteht denn Stefan Trescher seinen Schnellkurs auch als "Machete", die einem dabei hilfreich zur Hand geht. In zwölf Gattungen von Malerei bis Video und von Performance bis Skulptur rückt er der Unübersichtlichkeit der Kunst der 1990er-Jahre und des beginnenden 21. Jahrtausends zu Leibe. Auch wenn das Überblickswerk auf 216 Seiten nur wenig Platz für ausführliche Angaben und differenzierte Betrachtungen bietet, liegt der Vorteil einer solchen Darstellung klar auf der Hand: In kürzester Zeit ist es möglich, sich über aktuelle Entwicklungen in der Fotografie, der Netzkunst oder der Kunst im öffentlichen Raum zu informieren und sich mit einigen der bedeutendsten zeitgenössischen Künstler und deren Arbeiten vertraut zu machen. Jede Gattung ist in dem handlichen Taschenbuch in verschiedene Unterpunkte gegliedert, für die Stephan Trescher äußerst hintersinnige und einprägsame Überschriften gefunden hat. So verbirgt sich beispielsweise hinter "Immer an der Wand lang -- Malerei im großen Stil" eine Einführung zur Wandmalerei mit ihren fünf bedeutendsten Vertretern. Diese haben sich Joseph Beuys als Randbemerkung aufgeführte Aussage "Der Fehler fängt schon an, wenn einer sich anschickt Keilrahmen und Leinwand zu kaufen", zu eigen gemacht und bevorzugen für ihre künstlerische Arbeit vor allem monumentale, wandgroße Formate. Der Schnellkurs Kunst der Gegenwart ist ein sehr gelungener Wegweiser zur zeitgenössischen Kunst, der nicht allein durch seine Übersichtlichkeit und die prägnanten Texte, sondern auch durch die die 172 Abbildungen erläuternden Werkbeschreibungen und die jedes Unterkapitel ergänzende Ziatatauswahl überzeugt. --Britta Müller
Lesermeinungen (Wiedergabe von Amazon.de, s.u.):
Durchschnittliche Gesamt-Bewertung: 5.0 von 5.00 Punkten (Insgesamt 1 Bewertung)
Erleichternd direkt 5 von 5 Punkten
... kommt der Schnellkurs "Kunst der Gegenwart" daher. Ohne umständliche Verwendung von umstrittenen Kunstbegriffen und mit klarer, einfacher Sprache gelingt es Stephan Trescher das "Unfassbare" der zeitgenössischen Kunst auf seine Art fassbar zu machen. Das Vorwort sollte man auf jeden Fall lesen, bevor man sich an das Buch macht, da dort wichtige Parameter und Einschränkungen erläutert werden. So nimmt Trescher dort gleich zu Anfang Kritiken wie "wie kann man das nur auslassen!" den Wind aus den Segeln. Der Laie und Amateur, der sich ohne Vorkenntnisse in der Kunst bzw. Kunstgeschichte an die Lektüre wagt, wird eventuell etwas Schwierigkeiten haben sich einzufinden. Die Mühe lohnt sich allerdings! Selten findet man ein Buch zur zeitgenössischen Kunst, das NICHT in hochtrabenden philosophisch abgehobenen und abstrakten Ebenen vom Leser wegdriftet, sondern sich traut unvoreingenommen auf Tuchfühlung zu gehen.(Auch wenn es Einen, als klassischen Kunsthistoriker, doch öfter in den Fingern juckt, etwas hinzufügen zu wollen und tiefer zu gehen.) Absolut gelungen - und dann auch noch im Pockeformat! |
 Frida Kahlo 1907-1954: Leid und Leidenschaft
Andrea Kettemann
Taschenbuch, Dezember 1999 Verkaufsrang: 9561 Gewöhnlich versandfertig in 24 Stunden
Lesermeinungen (Wiedergabe von Amazon.de, s.u.):
Durchschnittliche Gesamt-Bewertung: 3.5 von 5.00 Punkten (Insgesamt 3 Bewertungen)
Interessante Hintergrundinformationen 5 von 5 Punkten
Dieses Buch ist sehr schön gestaltet und erzählt die Geschichte der berühmten mexikanischen Künstlerin Frida Kahlo (1907-1954). Während die Lebensgeschichte von Frida Kahlo erzählt wird, werden ihre Bilder mit eingebunden und erläutert. Auch schon während man das Buch durchblättert und sich einige der Bilder ansieht, kann man anhand von direkten Erläuterungen zu den Bildern erkennen, welche Aussagen in ihnen stecken.
So erfährt man z.B. das sie mit ihrem Bild, Mein Amme und ich (1937), darauf hinweisen wollte, dass sie von ihrer Mutter nicht gestillt werden konnte, da bereits elf Monate nach ihrer Geburt ihre Schwester Christina zur Welt kam und sie daher von einer Amme gestillt werden mußte. Aber selbst von ihrer Amme wurde sie nur genährt. Fürsorge und Zärtlichkeit wurden ihr weder von der Amme, noch von der Mutter zuteil. Dies drückt sich auch in diesem Bild aus, indem das Gesicht der Amme durch eine Steinmaske ersetzt wurde und zudem der Blickkontakt zwischen Amme und Frida fehlen.
Ihr schwerer Unfall am 17. September 1925 bei dem sie nur knapp überlebte, veränderte ihr Leben maßgeblich. Da sie zeitweise bewegungslos im Bett liegen mußte und starke Schmerzen hatte, begann sie zu malen. Über dem Bett wurde ein Baldachin mit einem Spiegel angebracht und so begann Frieda mit ihren Selbstbildnissen, die sich über die Jahre durch ihr Lebenswerk ziehen.
Nach ihrer Genesung kam sie mit dem 21 Jahre älteren Maler Diego Rivera zusammen, der sie bestärkte, mit ihrer Malerei fortzufahren und den sie später heiratete. Sie gingen beide zusammen in die USA. Frida, die in den USA schwanger wird, erleidet eine Fehlgeburt und malt daraufhin, Henry Ford Hospital (1932), um so das Erlebte zu kompensieren. Ihre Beschäftigung mit der Malerei stagniert in der USA und erst durch ihre Rückkehr nach Mexiko beginnt sie wieder zu malen...
Neben vielen Abbildungen ihrer Bilder, interessanten und spannenden Informationen über ihr Leben, enthält dieses Buch auch viele Fotografien von Frida Kahlo (u.a. Fotografien ihres Geburtshauses und ihres Ateliers), sowie eine Übersicht über ihre Lebensdaten.
Meiner Meinung nach eine Frechheit!! 1 von 5 Punkten
Diese Buch ist fast wörtlich von: Frida Kahlo. Ein leidenschaftliches Leben. -- von Hayden Herrera abgeschrieben und ergänzt durch ein paar Pseudo -wissenschaftliche und -feministische Anmerkungen!!
Toller Ueberblick ueber ihr Leben und ihre Bilder 5 von 5 Punkten
Ein tolles Buch , um Frida Kahlo kennenzulernen-hier sind viele ihrer Bilder gezeigt,dazu noch einige Fotos und eine Art Biographie dieser aussergewoehnlichen Frau ,die in ihrem Leben viel Leid ertragen musste . |
 Bei näherer Betrachtung. Zeitgenössische Kunst verstehen und deuten
Jean-Christophe Ammann
Gebundene Ausgabe, September 2007 Verkaufsrang: 123989 Gewöhnlich versandfertig in 24 Stunden
Ansonsten erhebt das Buch definitiv einen gewissen Anspruch an seine Leser, kann aber auch gut unterhalten. Die größte Frage bleibt der Anspruch, der im Untertitel Zeitgenössische Kunst verstehen und deuten" beschrieben ist. Denn das klingt ja ganz danach, als ob der Leser daraus lernen kann. Dafür ist das Buch aber zu unsystematisch. Die Forderung danach, dass Menschen das Lesen von Bildern lernen sollen, ist ja schön und gut, aber zu erklären, wie das wirklich funktioniert, hätte gut zum Buch gepasst.
Wer sich nicht mit Kunst beschäftigt, den wird das Buch überfordern, wer aber ein bisschen Vorwissen hat, der wird mit diesem Buch durchaus Spaß haben. Etwas mehr Systematik und eine bessere Bebilderung hätten dem Buch aber mehr als gut getan.
Lesermeinungen (Wiedergabe von Amazon.de, s.u.):
Durchschnittliche Gesamt-Bewertung: 3.0 von 5.00 Punkten (Insgesamt 1 Bewertung)
Etwas mehr Systematik und eine bessere Bebilderung hätten dem Buch mehr als gut getan. 3 von 5 Punkten
Ammann hat keine feste Vorgehensweise bei der Herangehensweise an einen Künstler, er schöpft aus einem großen Erfahrungsschatz, beschreibt, erzählt von Begegnungen, nutzt Zitate, macht seine Einführung in die zeitgenössische Kunst auch zu einem abwechslungsreichen Lesebuch, bei dem es von Vorteil ist, einen Internetanschluss in der Nähe zu haben und mal eben nach den Künstlern zu suchen, denn was in diesem Buch ganz klar fehlt, ist das Bildmaterial. Zu den meisten Künstlern gibt es zwar eine Abbildung, aber die ist erstens immer schwarzweiß, und zweitens sehr klein geraten.
Ansonsten erhebt das Buch definitiv einen gewissen Anspruch an seine Leser, kann aber auch gut unterhalten. Die größte Frage bleibt der Anspruch, der im Untertitel Zeitgenössische Kunst verstehen und deuten" beschrieben ist. Denn das klingt ja ganz danach, als ob der Leser daraus lernen kann. Dafür ist das Buch aber zu unsystematisch. Die Forderung danach, dass Menschen das Lesen von Bildern lernen sollen, ist ja schön und gut, aber zu erklären, wie das wirklich funktioniert, hätte gut zum Buch gepasst.
Wer sich nicht mit Kunst beschäftigt, den wird das Buch überfordern, wer aber ein bisschen Vorwissen hat, der wird mit diesem Buch durchaus Spaß haben. Etwas mehr Systematik und eine bessere Bebilderung hätten dem Buch aber mehr als gut getan.
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